Veronica
Green is a young artist from New Zealand, graduated at the University of
Fine Arts of Massey (New Zealand).
Since 2006 she took part to many personal and collective exhibitions.
Presentation
of the artist, by himself:
“In my undergraduate degree I studied Maori art in mythology and
cosmology. More specifically I was studying the use of metaphors and symbols
to visually represent a story.
Since
I have graduated I have been researching birds and how they are used iconically
and symbolically through out the world. I find this interesting as on
such a international scale the use of the bird as an image is loaded with
so many meanings.
What
really inspired me about Venice was its mass population of birds and the
connection it had on people. The use of the space in San Marco’s
square as a congregational area. Between the Venetian architecture and
the city scape Venice to me is a mystical magic land in which the birds
seem to dominate over the human population.
More
specifically I am interested in the role of the dove and how it interacts
with in Venetian society from the past to the present. The pigeon is commonly
misrepresented and I think it is important to depict a series of work
to represent it for what it truly is and means.
In
order to create this work I propose to research the history and stories
behind the doves of Venice.
Through
my research I will develop a series of designs that will then be refined
into a series of final two dimensional paintings.”
Sabato 26 gennaio si inaugura
la prima esposizione del 2008 a Spiazzi ed inizia così l'esperimento
che porterà nella Galleria di Campo S. Martino alcune tra le
più interessanti proposte del nuovo design italiano e straniero.
Spiazzi diventa luogo per esporre oggetti fatti con le mani (e con la
testa), stringendo un rapporto ancora più stretto con la vera
natura di Spiazzi, i laboratori che dal suo retrobottega sfornano cose
sempre nuove.
Il
26 gennaio è la volta della coppia di artisti padovani, Marta
Rampazzo e Nicola Genovese...
In
principio furono “on line”, “power”, “alpha
lock” e “run stop”. Comandi di tastiere ormai abbandonate
insieme a vecchi computer, accatastate in modo anonimo nelle discariche
del nostro passato tecnologico.
Ora
diventano gioielli. Spille e anelli dal design sofisticato montati su
acciaio anallergico. Ma attenzione: non i soliti tasti grigi o bianchi
diventati ormai oggetto comune nella creazione di bigiotteria moderna.
La parola d’ordine qui è vintage, dare nuova vita ai tasti
di pc e calcolatori degli anni ’70 e ’80, creando oggetti
unici.
L’incontro
con la tecnologia d’epoca è avvenuto oltre un anno e mezzo
fa in una discarica tedesca. Accanto a cavi ingarbugliati e a schermi
sfondati, un tesoro di tastiere coloratissime: verdi, rosse, nere.
Da
lì il lampo e l’inizio della ricerca in magazzini e discariche
di mezza Europa a caccia di comandi e profili di funzioni ormai cadute
nel dimenticatoio, ma pronte a diventare oggetti con un nuovo profilo.E
ovviamente unici, visto che le tastiere del tempo che fu sono ormai introvabili
e che ognuno potrà scegliere il tasto che più lo rappresenta
(meglio uno shift o meglio un alt? Meglio un vecchio pc o un calcolatore
data general dasher d2, praticamente introvabile?) e il colore che vuole.Ma
l’idea non è solo quella di avere al dito un pezzo di storia
telematica o di portare sulla maglia un “distintivo” di una
tecnologia che cambia: il concetto dei due artisti è recuperare
le storie legate alle tastiere, dare nuova vita a oggetti appartenuti
a chissà chi in quale paese, dimostrare che non tutto è
divorato dal tempo che passa.
O
ancora: che in piena epoca touch-screen la “materia” dei computer
può anche essere indossata e che un altro “smaltimento”
di quanto resta dei vecchi pc è possibile.
Le
fotografie dell'esposizione ritraggono i soggetti di uno studio sull'uso
curativo tradizionale delle piante nelle comunità Lecos in Sudamerica.
I Lecos sono un gruppo etnico scarsamente considerato a livello antropologico
ed etnografico, che vive nell’ Amazzonia Boliviana. Questa etnia
abita un territorio caratterizzato dal più elevato indice di
biodiversità in Bolivia ed ha dunque avuto la possibilità
di conoscere e sperimentare una vastissima gamma di specie floristiche
e faunistiche per adattarsi e vivere in questi ambienti.
Lo scopo del progetto è di raccogliere ed ordinare le informazioni
sulle conoscenze etnobotaniche e rendere disponibile alle scuole
indigene tale materiale in forma scritta come base didattica
per il recupero del sapere tradizionale.
L'idea è di produrre un documento durevole nel tempo su informazioni
che, custodite nel ricordo non più perpetuato tra le generazioni,
stanno sparendo con la memoria dei più anziani.
Scrivendo ed ordinando informazioni sulle conoscenze, che da millenni
sono state tramandate solo oralmente, si può contribuire infatti
a rivalutare e conservare il patrimonio culturale di un popolo.
La raccolta delle informazioni è avvenuta attraverso interviste
effettuate a 14 “Curanderos”, uomini e donne medicina, di
5 comunità indigene native. Questi esperti di fitoterapia hanno
fornito nozioni sulle proprietà delle piante, le parti da utilizzare
e la loro preparazione. Anche gli alunni delle scuole locali hanno contributo
al lavoro intervistando i loro famigliari.
La ricerca finora svolta ha induviduato un centinaio di specie utili
e 148 ricette curative tradizionali.
Tutte le indicazioni verranno scritte in un libro-quaderno,
contenente i dati registrati durante la ricerca, che verrà usato
dai ragazzi per incrementare ulteriormente il recupero delle conoscenze
sull'uso della biodiversità nei territori Lecos.
Un’installazione dell’artista
canadese Debora Alanna. Il lavoro esplora il concetto di passaggio,
e l’oscillazione fra il descrescere dell’energia e la fluidità
in un ininterrotto movimento fra pensiero conscio ed inconscio.
Tutto prende ispirazione dalla scia che le barche lasciano sui canali
veneziani, quel movimento che provoca una “rottura” nell’immobilità
dell’acqua, che sposta e distorce la sua superficie; un’acqua
che anche se provocata non accetta la sfida. Il canale trattiene tutto
l’intreccio simile ad un ordito che vi si specchia mantenendo
però la sua pura inalterabilità, una via per e da qualche
parte. Da o verso la superficie viene spinta nella direzione delle forme
ondulate.
Il lavoro è una concentrazione costante di forme non fluttuanti,
statuarie, in questo esse svelano a colui che le guarda nella loro immobilità.
Non c’è alcun riferimento alla geografia o all’architettura.
Questo è un lavoro sul movimento ma non si muove. E’ come
se scaturisse da un’offerta cerimoniale, che scopre forma e contenuto
e che permette alle ondulazioni del flusso e riflusso di placarsi davanti
ad un intenso sguardo. Il canale può considerarsi lo spazio emozionale
che si crea dalle speranzose forme che ottimisticamente emergono e diventano
scultura.
Canal – Ebb and Flow, is a sculpture installation
at Associazione Culturale Spiazzi by Debora Alanna. The work is about
a concept of passage, and the oscillation between waning energy and
fluidity in uninterrupted movement of conscious and unconscious thought.
Inspired by the wake from the vapporetti, and gondolas on the canals
of Venice, the movement of the boats breaking the water's stillness,
unrelenting, moving forward distorting surfaces; the water remains unchallenged.
The canal holds all surface warps and entwining penetrations, and remains
an unaffected system, a way to and from somewhere. Coming or going,
the surface is thrust into undulating forms.
The work is a steadfast
concentration on forms that do not fluctuate, that are statuesque, in
that they impose stillness upon the viewer, requiring concerted enquiry.
There is no geography or architecture to give it reference. This work
is about movement, but does not move. It is ceremonious as a meditative
offering, discovering form and content, allowing the undulations of
ebbs and flows to be still for sustained viewing. The canal is the emotional
space that is created by the expectant forms that have optimistically
emerged as sculpture.
Speck-ik è
la storia di un corpo pensante che cerca di riappropriarsi della percezione
di sé al di là dei miti imposti per ritrovarli radicati
come sedimentazione secolare, come elemento “incarnato”.
La necessità
di emanciparsi da tutto questo diventa inevitabilmente anche negazione
di se stessi.
Speck- ik
è uno spettacolo in cui l’azione di assistere determina ciò
che accade; un’ esperienza diversa per ogni spettatore, in cui sarà
proprio l’individuo a decidere come, cosa e quanto guardare.
Ecco perché
la scelta di uno spazio-galleria come teatro.
Laura Moro
Danzatrice,
coreografa ed insegnante (S.N.D.D. School for New Dance Development,Amsterdam)
vive e lavora tra Italia ed Olanda dove è coinvolta nella realizzazione
di spettacoli, collaborazioni interdisciplinari e progetti di ricerca
nel campo delle arti dello spettacolo.
Pur avendo
il suo punto di partenza nella tradizione classica il suo lavoro coreografico
è legato alla musica contemporanea e alla tradizione improvvisativa
jazz.
Collabora
da anni con musicisti di fama internazionale quali Andy Moor (The Ex),
Michael Vaucher, Michael More, Rob Armus; ha collaborato con Fred Frith,
Felicity Provan e molti altri.
Laura Moro
è fondatrice di Passeggiate Sonore un ensemble di danzatori,
musicisti e artisti visivi impegnati in una ricerca volta ad oltrepassare
i confini tra idiomi espressivi diversi nella realizzazione di performances
che promuovono un dialogo più diretto con il pubbblico
Dal 2006
è coreografa ospite presso il Teatro la Fenice dove è
coinvolta in progetti educativi.
Le sue creazioni
sono state rappresentate in tutta Europa compresa la Biennale giovani
artisti.
Il
titolo “Muzykstan” per assonanza richiama
ai paesi che compongono l’Asia Centrale: Kazakistan, Kirghizistan,
Uzbekistan e Tagikistan.
L’Asia Centrale possiede un’eredità musicale ricca
e variegata. Per le strade, nei bar, nei mercati, nelle moschee, si possono
ascoltare i più disparati generi musicali. Esiste un detto Kazako
che dice “nessun Kazako è davvero Kazako, ma la Dombra (strumento
a vento tradizionale Kazako) è davvero Kazaka.“. Attraverso
la musica si possono riconoscere tempi/epoche, generazioni, spirito e
umore di questa regione.
L’arte contemporanea in Asia Centrale si è sviluppata con
estremodinamismo dai primi anni ’90, dal crollo dell’Unione
Sovietica e dalla nascita di nuovi Paesi indipendenti. I primi artisti
contemporanei della regione hanno sviluppato la propria professionalità
e la propria filosofia attraverso un processo comprensivo della teoria
e della pratica basato sull’analisi dell’arte moderna. Hanno
perpetuato l’eredità delle avanguardie e dell’arte
anti-conformista dell’epoca sovietica, identificandosi anche come
neo-nomadi o neo-orientalisti.
Oggi, una nuova generazione di artisti (con età media di 30 anni)
è molto pro-attiva in Asia Centrale. Questa generazione ha fatto
propria tutta l’esperienza dei primi artisti contemporanei, avendo
tuttavia una diversa “modalità” post Sovietica. Usano
tutte le tecnologie dell’informazione sia nella vita di tutti i
giorni che nel loro lavoro, anno una mentalità diversa, la cosiddetta
“clip-mentalità”. Lavorano in aziende che si occupano
di media, tenendo le cuffie sotto i loro cuscini, guardano MTV, frequentano
le discoteche, producono webzine e scrivono le loro e-mail in “Runglish”
(un misto folle di parlata inglese e russa). “Isn’t it
a Cyber-like Globe generation?” you might ask, and I’d say:
“Almost”!
Questi artisti amano molto la musica. Creano le loro opere sotto una forte
influenza musicale. Hanno sperimentato suonando musica loro stessi e usando
le nuove tecnologie per comporre le loro opere. Contemporaneamente hanno
la passione per gli strumenti nazionali dell’Asia Centrale come
la dombra, il kobyz, il dutar; strumenti che sanno suonare con scioltezza,
promovendo le tradizioni della musica locale in contesti internazionali
attraverso i loro lavori. Hanno partecipato alla “rivoluzione dei
tulipani” (corrente politica Kkrghiza) e hanno viaggiato in tutto
il mondo per ascoltare e vedere i loro gruppi o cantanti preferiti.
Gli artisti di questa generazione saranno oggetto e soggetto principale
di questo progetto..
Idea portante
di questo progetto è la creazione di connessioni tra la musica
popolare (folk, rock, nativa, ecc.) e l’arte contemporanea (performance,
video arte, istallazioni) nella regione dell’Asia Centrale attraverso
la produzione di nuove realtà artistiche, basata sui principi del
divertimento e dell’arte moderna. Ogni progetto si baserà
sul “leitmotiv” della musica locale.. La parte visiva, la
sua costruzione, i temi e la storia sarà sviluppata da ogni artista
in modo assolutamente unico e personale. Questo progetto ci darà
l’opportunità unica di vedere l’attuale background
sociale e culturale dell’Asia Centrale e testimonierà come
la sua musica e l’arte influenzano il pubblico.
Project
team:
- Yuliya Sorokina (Kazakhstan) - Commissioner and curator;
- Ulan Djaparov (Kyrgyzstan) - Co-curator
- Viktor Misiano - Project Consultant
Project venue:
Associazione Culturale Spiazzi
Project
collaborators:
"The Direction of Art Auctions and Exhibitions" Kazakh State
Enterprise
"Asia Art+" Public Foundation
"HIVOS" Humanist Institute
for Co-operation with Developing Countries
Open Society Institute
Associazione Culturale Spiazzi
Project web-site:
www.caprojects.org/.
La settimana dell'Uruguay a Venezia è
il risultato dell'incontro di sei artisti che utilizzano mezzi espressivi
diversi, ma ciò nonostante, condividono il medesimo piacere di
elaborazione materiale delle discipline che praticano.
Si tratta di artisti che lavorano con generi spesso definiti "tradizionali",
come la pittura, il disegno, la danza, che però tendono a ricercare
collaborazioni interdisciplinari, accostandosi al cinema, alla musica,
alla fotografia e agli interventi urbani.
Questi artisti che credono che effettivamente ci sia una dimensione esterna
a quella delle istituzioni culturali codificate o del culto della soggettività
e che questa dimensione meriti di essere conosciuta e valorizzata. Esplorano
la vita da una prospettiva concreta, ricca di amore per il "fare"
e con l'intento di valorizzare l'esperienza sensibile.
I disegni, estremamente minuziosi di Alfredo Ghierra, che alla maniera
di Piranesi, sembra esplorare l’animo umano attraverso la dimensione
urbana contemporanea, considerando la città una delle più
alte espressioni della cultura umana, si affiancano ai lavori pittorici
di Martin Verges, che con toni caldi e ironia commenta la malinconia della
buona società di un tempo. Altre voci invece, Mariana Ures, Pablo
Casacuberta, Magela Ferrero, parlano di contemporaneità, senza
filtri o specchi puntano lo sguardo su aspetti sociali e tessuti urbani,
nei loro lavori fotografici, nei video, nelle interpretazioni pittoriche
che sono l’attualità. Anche Andrea Arobba segue a suo modo
questo filone, proponendo la danza, che si impone, con il suo essere corpo
e fisico, nell’attimo stesso del presente.
Provengono da un paese che è un crocevia di culture, dove le anime
latinoamericana, africana ed europea hanno generato un miscuglio che è,
contemporaneamente, particolare ed universale, dove la tradizione umanistica
genera nuove proposte espressive di incontro tra il locale e il globale.
La settimana dell'Uruguay a Venezia si propone come una piattaforma per
approfondire questo interscambio e Spiazzi si conferma la sede ideale
di questo progetto, in quanto luogo di incontro e di condivisione, anche
operativa, di interessi culturali, pratiche artistiche e tecniche materiali.
